Si discosta ampiamente e in maniera particolare, oltre che apprezzabilissima, da tutte le serie che vengono trasmesse contemporaneamente, ma non solo, questo “Mad men”, serial televisivo dall’eleganza e la raffinatezza uniche. Non aspettatevi misteri alla Lost (godibilissimi e unici nel loro genere), colpi di scena alla Dexter (insostituibili anch’essi dal canto loro) , suspance alla Prison break (che nella prima serie ci ha tenuti tutti col fiato sospeso), o fantascienza alla Fringe (la cui prima serie si è conclusa lasciandoci a bocca aperta), ma solo, si fa per dire, un interessantissimo, profondissimo e imperdibilissimo tuffo negli anni ’60 e nel mondo della pubblicità di cui fa parte il protagonista, Don Draper, uomo dal fascino ineguagliabile e dal carisma esagerato.
Tutto in “Mad men” ci rimanda a viva forza in quegli anni, grazie all’elevatissima qualità tecnica di ogni singolo aspetto a cominciare dai costumi e dalle capigliature, fino ad arrivare all’ambientazione e alle scenografie spettacolari in cui ogni singolo complemento d’arredo assurge al ruolo di co-protagonista insieme a tutti gli altri attori. Attori che trasmettono alla perfezione tutte le tematiche e le sottotematiche che accompagnano la narrazione della vita privata e lavorativa di Don e che con il loro modo di parlare, di muoversi e di comportarsi, oltre che di fumare ininterrottamente senza quasi un attimo di sosta, ci restituiscono un ritratto veritiero e fedele di quel periodo storico così ricco di cambiamenti sociali e avvenimenti importanti.
Il tutto avviene, infatti, con allo sfondo la campagna presidenziale Nixon/Kennedy, più volte al centro della narrazione e accompagnamento di tutte le tematiche che compongono il serial televisivo, a partire dal ruolo sempre più crescente e meno nascosto della donna nell’ambito sociale e lavorativo, tema reso straordinariamente dal personaggio chiave, oltre a Don ovviamente, di “Mad men” e cioè la timida e impacciata segretaria Peggy che grazie al suo talento e alla sua voglia di emergere diviene ben presto componente essenziale e insostituibile della squadra di pubblicitari di Madison avenue (da qui il titolo del telefilm). Ma il ruolo della donna viene affrontato anche da un altro punto di vista, ben impersonificato da Betty, la moglie di Don, consorte e madre dolce, fedele, accondiscendente e sempre presente in preda a tumulti quasi inspiegabili e ad inquietudini sempre più crescenti (sta forse cominciando a ribellarsi al suo ruolo secondario e unico di madre e moglie), confessati sul lettino di uno psicologo.
E’ lo stile di vita americano ad essere inquadrato e per certi versi sovvertito in questo straordinario e perfetto serial televisivo, a cominciare dalla lussuosa abitazione di Don e Betty, che però nasconde pecche e difetti come i continui tradimenti di lui oltre ad una sorta di mistero che aleggia intorno alla sua reale identità e al suo passato oscuro che man mano riaffiora nei ricordi del pubblicitario, circondato da una serie di personaggi ottimamente caratterizzati. Oltre a quelli già citati, ci sono i suoi colleghi tra cui Pete Cambpell, uomo mediocre e a tratti quasi meschino, che tenta in tutti i modi di farsi notare e di cominciare una scalata sociale a partire dal matrimonio con una donna di famiglia importante, pur non amandola realmente. Non sono da meno Sterling e Cooper propietari dell’agenzia pubblicitaria e veri e propri stereotipi-universali, anche se con molte particolarità e originalità, degli uomini d’affari di allora. A completare il quadro l’esplosiva e seducente Joan, la referente delle segretarie, che ci condurrà per mano, con la sua esperienza e conoscenza approfondita, nel mondo della pubblicità e della società americana degli anni ’60.
Dopo una prima serie che culimina con l’elezione presidenziale del noto vincitore di quella storica battaglia elettorale, arriva una seconda serie in cui il personaggio di Don viene sviscerato ancora più approfonditamente con attenzione anche alle sue emozioni e sentimenti, nella prima serie messi un po’ da parte per lasciar spazio alla personalità dirompente e affascinante. Molti i prodotti, ancora oggi facenti parte della nostra cultura, che vengono pubblicizzati in maniera squisita e originale dalla squadra di Don e Peggy, così come molte sono le riflessioni e le considerazioni che si possono fare su quel determinato e particolare periodo storico e sulla vita sociale, privata e lavorativa di una New York viva e pulsante come non mai.
In attesa della terza serie, il cui pre-air è già andato in onda riscuotendo molto successo, non resta altro che lasciarsi trasportare dalla straordinaria qualità e dallo stile ricercatissimo e distinto di una delle migliori serie televisive che siano mai andate in onda.
Una delle prime pellicole di quello che poi sarebbe diventato un grandissimo e notissimo regista, “Cul de sac” si fa apprezzare per moltissimi motivi, primo su tutti una deliziosissima ironia nera e macarba che attraversa l’intera pellicola. Nonostante si tratti di un noir vero e proprio, con tanto di criminali, ostaggi e anche morti, si sorride spesso durante la pellicola, proprio perché il regista riesce a mettere alla berlina sia i due criminali che vengono rimbrottati dal loro capo perché incapaci di portare a termine un colpo dei più facili, sia i due coniugi, borghesi apparentemente colti e chic, ma sostanzialmente meschini come gli altri due. Eh sì, perché Richard, il criminale più pauroso dei due (l’altro è morente perché colpito da una pallottola in petto, oltre ad essere mingherlino e quasi docile), non fa altro che mettersi in ridicolo, attendendo un capo che non arriverà mai e lasciandosi prendere in giro da Teresa, che non ci sta a farsi sopraffare da lui. Mentre George dimostra tutta la sua incapacità ad affrontare situazioni pratiche e pericolose, quasi a rendere nota la sua abitudine a vivere in maniera facile e agiata, oltre a palesare la sua ipocrisia nel fingersi amante dell’arte e della letteratura, visto che dipinge solo per far colpo sulla sua giovane e bella moglie e si rivela odiare persino il famoso scrittore che ha scritto tutte le sue opere in una stanza del castello che l’uomo ha acquistato, apparentemente solo per questo motivo, ma in realtà per mostrare il suo tenore di vita e il suo rango sociale. Ma l’ipocrisia investe anche il rapporto di coppia dei due coniugi, visto che Teresa va a letto col figlio dei vicini e George finge che sia tutto rose e fiori, solo perché non ha il coraggio di affrontare la realtà e di ammettere la falsità che investe la sua
vita sentimentale e privata. Dopo aver abbandonato lavoro e amici, forse la sua unica vera ancora alla realtà, si è rintanato in una falsa felicità vissuta lontana da occhi indiscreti, occhi che potrebbero accorgersi dell’inesistenza di suddetta felicità. Un abbandono e una fuga che hanno però anche il sapore di un inizio di presa di coscienza e di allontanamento da quel mondo fatto di luoghi comuni, stereotipi e falsi perbenismi. Ci va giù pesante Polanski con la critica a questo modo di vivere, tanto da rendere il protagonista maschile una vera e propria macchietta che oltre a far sorridere riesce persino a suscitare compassione nello spettatore, soprattutto nel finale che vira pesantemente verso il tragico abbandonando il comico. Nemmeno la protagonista femminile, seppur più forte e risoluta, fa una bella figura, dato che sembra completamente interessata solo a se stessa e alle sue pulsioni, sessuali e non, tant’è che più volte mente al marito su ciò che avviene con l’intruso per nulla interessato a lei dal punto di vista sessuale. 
piombata addosso. E’ dunque dall’incontro-scontro tra i tre personaggi che ognuno di loro perverrà a delle conclusioni indispensabili per la comprensione del proprio ruolo nel mondo. E’, infatti, Richard il personaggio-emblema di “Cul de sac”, colui che smuove le acque e, rendendosi ridicolo egli stesso come ogni buffone che si rispetti, porta alla luce e deride le meschinità e le debolezze altrui. Ma ovviamente, come per ogni buon noir che si rispetti, ironico o meno che sia, il tragico epilogo è dietro l’angolo e dopo aver assaporato uno spiraglio di salvezza, ognuno dei tre sarà costretto a soccombere sotto il peso insostenibile della propria vita ormai radicata e immutabile, tant’è che George rimarrà nuovamente solo in quel castello “maledetto”, invocando il nome della ex-moglie molto probabilmente lasciata a favore della più giovane e bella Teresa, quest’ultima tornerà ai suoi vecchi costumi e abitudini, abbandonando il marito nel momento del bisogno e “scappando” con un altro uomo e il criminale sarà costretto a rendersi conto in maniera fulminea della caducità e della solitudine, caratteristiche primarie della sua vita da delinquente, nonché dell’inutilità del suo ruolo di “agitatore”. 
questo del suo “infantilismo”, sino ad arrivare alle uova di cui la casa è stracolma e che molto spesso sono acide e imputridite, così come i rapporti interpersonali tra le varie pedine che si muovono all’interno e all’esterno di questo enorme castello, teatro di una delle più grandi rappresentazioni teatrali: la vita. 
azioni più efferate. Come sia possibile questo è ravvisabile tra le righe di questo delizioso ritratto di un uomo dalla doppia personalità, che in realtà di personalità a tutti gli effetti non ne possiede nessuna, essendosi costruito nel carattere, nei gesti, nelle relazioni umane, nelle emozioni e nelle sensazioni, fintamente e programmaticamente. Perché Dexter, ematologo e serial killer al tempo stesso, non riesce a provare uno straccio di sentimento, nemmeno il più banale, come una sorta di androide privo di cuore ma pieno di cervello. Per mescolarsi alla “folla” e passare in osservato, oltre che per non far scorgere a nessuno l’esistenza del suo Passeggero Oscuro, così come lo chiama lui, Dexter è dunque costretto a fingere un’umanità che gli è preclusa, persa in chissà quale avvenimento precedente l’adozione da parte del poliziotto Harry, colui che Dexter venera e segue sopra ogni cosa, anche dopo la sua prematura morte a causa di una malattia. Fu Harry, infatti, scoperta la natura del suo figlio adottivo, amato quanto la sua bambina, Debora, adesso infiltrata della Buoncostume della polizia di Miami con aspirazioni da detective, ad indirizzare la sua sete e la sua fame verso coloro che se lo meritano, piuttosto che verso vittime innocenti e immeritevoli di cotale trattamento. Ed è così che Dexter si muove seguendo alla lettera e meticolosamente il “codice di Harry”, stanando e indagando per conto proprio su pedofili, assassini e criminali della peggior fattura e, una volta accertatosi della loro reale colpevolezza, sostituire la legge che li ha lasciati andare e farsi giustizia da sé, placando al tempo stesso il suo incontrollabile bisogno di morte. Il primo degli omicidi, quello con cui si apre ferocemente il romanzo, è appunto ai danni di un prete che ha messo fine alla vita di ben sette bambini, sfuggendo miracolosamente alla legge, ma non alla mano spietata di Dexter, la mano sinistra di Dio appunto, perché punisce esemplarmente e spietatamente i più “cattivi”.
dunque meritevole di disprezzo. La straordinarietà, invece, sta nel fatto che il lettore è portato a simpatizzare per Dexter, anche grazie al flusso continuo e ininterrotto dei suoi pensieri più reconditi narrati in prima persona e quindi molto coinvolgenti. E’ difficile non tifare per lui, nonostante metta fine in maniera poco ortodossa, ma molto ordinata, a delle vite umane, seppur non proprio meritevoli di compassione. Un dilemma etico che lascia il lettore perplesso ma al tempo stesso soddisfatto, proprio perché è nella confusione in cui viene immerso che riesce a trovare il piacere della lettura, arricchito anche dalle indagini parallele su un nuovo serial-killer arrivato in città che uccide prostitute prosciugandole di ogni singola goccia del loro sangue. Serial-killer che per modus-operandi, ma anche per una serie di messaggi subliminali lanciatigli qui e lì, affascina e attrae oltremodo il nostro beniamino (e chiamare beniamino un serial-killer non è cosa di tutti i giorni, da qui la grandezza del romanzo), fino a giungere ad una scoperta shockante e allucinante (perlomeno per chi si accosta alla lettura del romanzo prima della visione del telefilm, che comunque nel finale cambia pesantemente, ma non per questo negativamente, le carte in tavola, anche per consentire il proseguimento con le serie successive che non sono più tratte dagli altri romanzi dedicati all’ematologo-killer). 
Ci risiamo: nuovamente alle prese con la solita casa infestata e maledetta. Da “Amityville horror” in poi sono molte le pellicole che si sono rifatte a questo topos orrorifico per spaventare e inquietare gli spettatori. Ma la cosa bella de “Il messaggero – The haunting in Connecticut”, almeno per noi spettatori e non per chi l’ha vissuta, è che si tratta di una storia vera o quasi. Perché lo spettatore più smaliziato si renderà presto conto che non tutto ciò che viene mostrato sullo schermo può essere realmente accaduto, pur credendo alla vicenda drammatica della famiglia Snedeker che tra gli anni ’70
ci che condurrano il capofamiglia sull’orlo della pazzia e dell’alcolismo. La più forte sarà lei, Sara, la mamma coraggiosa che vive tutto il dolore e la disperazione della malattia di suo figlio, reticente a raccontarle tutto ciò che ha cominciato a vedere di notte, ma non solo, per non crearle ulteriori preoccupazioni. Ma ben presto anche gli altri fratellini e la cugina Wendy si ritroveranno nel bel mezzo del caos creato da questi fantasmi che cominciano ad apparire in visioni terrificanti e oltremodo spaventose. 
l’eccessiva patina melodrammatica che contrassegna le vicende familiari dei Campbell, ma non solo (decisamente evitabile la citazione di “Shining” per esempio), la pellicola è sufficientemente godibile, proprio perché fa del mistero e della curiosità circa gli esiti di queste orribili “visite”, la sua carta vincente.
Una tipica commedia americana moderna, dove per moderna intendiamo post-Apatow, geniale e furbissimo inventore di un nuovo modo di far ridere lo spettatore che sembra aver influenzato gran parte del genere e dei suoi esponenti. Difficile lasciare fuori il nome del regista di “40 anni vergine” e “Molto incinta”, oltre che produttore e sceneggiatore di un gran numero di commedie, anche perché i due protagonisti di “I love you, man”, sono due dei suoi attori feticcio, lo “sfigato” Paul Rudd e il gigione Jason Segel. Sono loro due a dare linfa vitale a questo film sicuramente simpatico e divertente, ma non eccezionale. E’ proprio grazie ai loro personaggi e alle loro ottime interpretazioni che la pellicola diviene particolare ed interessante, laddove sostanzialmente ricalca, a volte anche esageratamente, i topoi tipici del genere, seppur visti da una prospettiva nuova, o quasi, e per certi versi addirittura parodistica come dimostra la scena volutamente sopra le righe della separazione tra i due protagonisti maschili. Perché “I love you, man”, è un tipico “bromance”, cioè una sorta di storia d’amore, in chiave divertente, tra due uomini non omosessuali o al massimo in cui solo uno dei due è gay. E’ quello che vediamo in questo film, dato che Peter, il tipico ragazzo da fidanzate e Sydney, il tipico eterno Petar Pan, seguono tutte le fasi dell’innamoramento con la conoscenza iniziale, la crescita della confidenza, la rottura e la riappacificazione. Nel mezzo una serie di situazioni e personaggi di contorno che vanno dal divertente, all’esilarante al volutamente e apprezzabilmente 
demenziale. Si va da Lou Ferrigno nella parte di sé stesso che si esibisce in una sorta di lotta “hulkesca” ai danni del gigante buono Segel, fino ad arrivare alle migliori amiche di Zooey (interpretata deliziosamente da Rashida Jones) tra cui la mitica protagonista del bellissimo telefilm “My name is Earl”, Jamie Pressly, nel ruolo di una moglie insofferente nei confronti del marito (niente poco di meno che Jon Favreu, ormai noto come regista di “Iron man”, piuttosto che come attore comico), tranne che dal punto di vista sessuale. Senza tralasciare tutti i “compagni” che Peter conosce prima di arrivare a quello giusto, uno più caratteristico e spassoso dell’altro, oltre che il suo fratellino gay istruttore di palestra e i suoi genitori moderni, tra cui un imperdibile J.K Simmons. Sono molte le gag a stampo ironico e umoristico, tutte condite da una sceneggiatura che non solo delinea perfettamente ciascun personaggio, sfiorando solo di quando in quando il luogocomunismo tipico di questo genere di pellicole, ma si arricchisce anche di una serie di battute intelligenti e di rimandi non scontati e inflazionati (come per esempio la passione dei due protagonisti per i Rush). Di Apatow manca forse l’estrema irriverenza, il ritmo incalzante e incessante, l’eccesso per il demenziale e la solita latente misoginia nel dipingere le donne, qui invece descritte in maniera gentile e “democratica”: anche loro parlano di sesso in maniera sboccata, anche loro si lamentano della continua e fastidiosa onnipresenza dei compagni, anche loro amano divertirsi senza mariti e fidanzati, anche loro sanno essere indulgenti e permissive nei confronti dei desideri dei partner. 
Una pellicola più che soddisfacente, a conti fatti, questo “I love you, man”, che termina forse in maniera un po’ troppo stucchevole, pur essendo sicuramente una caricatura dei tipici film d’amore con lieto fine, e che ci fa sorridere con intelligenza e con un po’ di sana e apprezzabilissima spensieratezza. 
Se “Donnie Darko”, ormai un cult per moltissimi appassionati, era un film affascinante, suadente, intrigante, complesso oltre che interessante e stimolante nelle sue numerose tematiche, al di là del fatto che si trattava di un film pieno di stile e buon gusto, con “S. Darko” non si riesce a raggiungere nessuna delle qualità positive che contrassegnavano il suo precedessore. 
“svogliati”, senza tener conto della sceneggiatura che tratteggia una serie di personaggi più stereotipati che mai: il secchione-nerd con tanto di occhialoni, il belloccio maledetto, la sbandata col cuore d’oro, l’indifesa che ritrova il suo equilibrio. 
C’è poco da salvare dunque in questo “S. Darko” (anche se qualche suggestione visiva riesce a colpire lo spettatore), che potrà piacere ai ragazzini, ma deluderà sicuramente chi aveva amato il primo film, riuscendo magari nell’utile intento di farlo riscoprire a chi l’aveva dimenticato o di farlo conoscere a chi non l’ha mai visto. 
Ritratto lucido e amaro, oltre che crudele e profondissimo, dell’America della Depressione, quella che dà il titolo italiano alla pellicola, originariamente intitolata Boxcar Bertha, dal nome della sua protagonista, Bertha Thompson, realmente esistita, tant’è che la pellicola è tratta dal suo romanzo autobiografico “Autobiografia di una vagabonda americana”. 
montaggio che rendono poco chiaro il passaggio da una scena all’altra, anche se per il resto ci si può dire soddisfatti), è l’estrema adeguatezza nel riuscire a descrivere senza troppi fronzoli e con uno stile secco e diretto i grandi temi che attraversavano l’America degli anni 30. Lo schiavismo, il razzismo (“C’è un altro uomo con lui?”, “No, è solo un negro”), l’enorme crisi economica e sociale che si abbattè
perde la vita e che si vedrà costretta a prostituirsi per sopravvivere, dopo aver perso il suo grande amore e i suoi unici amici; Billy, il comunista che fa perdere la verginità alla bella e giovane Bertha, innamorandosene e facendo per lei cose che non avrebbe mai fatto, come le rapine ai treni-merci, anche se cerca di mascherarle come atti di rivoluzione contro il potere, non riuscendo a trovare l’appoggio dei suoi ex colleghi sindacalisti; Rake, un ebreo che viene dal nord e che evita di parlare per non farsi riconoscere nell’accento e nella provenienza, un uomo che per sopravvivere bara giocando alle carte con ricchi signori e che per un po’ si occuperà di Bertha fino a quando, scoperto da un avvocato, non sarà costretto a fuggire con lei per ricongiungersi a Billy; Von Morton, il negro la cui amicizia fa passare dei guai a Billy, picchiato da poliziotti e sceriffo, l’unico che alla fine riuscirà a trovare il giusto riscatto vendicandosi dei torti e dei soprusi subiti, anche se non sarà in grado di evitare la tragedia. 
te di violenza inaudita che non lascia spazio ad alcuna speranza e che fa svanire nella polvere di un treno che si allontana tutti gli sforzi dei protagonisti per ribellarsi ad un sistema corrotto e marcio, anche se forse non nel migliore dei modi, e tutte le loro speranze in un futuro migliore. 
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Uno dei grandi geni cinematografici dello scorso secolo, Charlie Chaplin, attore, autore, regista e sceneggiatore dall’animo artistico e dal carattere fanciullesco, si ritrova per la prima volta a dirigere ed interpretare un lungometraggio, pervenendo a dei risultati sorprendenti e stupefacenti. 
pantaloni larghi e scarpe enormi). 
inimitabilmente entrambi i mestieri di attore (rimarrà per sempre indelebile nella storia del cinema la sua mimica corporale e facciale, con la tipica camminata alla Charlot e le innumerevoli espressioni sempre intense a metà strada tra il tragico e il comico) e di regista (la sequenza del sogno è di una bellezza strabiliante oltre che di un’inventiva non indifferente e arricchita dalla caratteristica di portatrice di un messaggio quale l’impossibilità di trovare piena felicità e giustizia in questa vita fatta di stenti e povertà, così come è stata realmente l’infanzia di Chaplin, salvo poi mostrarci la felicità delle “piccole cose”), qualità ampiamente ravvisabili in questo piccolo-grande capolavoro dotato di una enorme potenza emotiva e comunicativa. 
Terzo, e quanto pare, non ultimo capitolo di una delle saghe orrorifiche fondamentali per ogni appassionato che si rispetti, “L’armata delle tenebre”, in realtà non è affatto un horror, o perlomeno non canonicamente, assestandosi più che altro dalle parti della commedia-horror, sfociando addirittura in maniera eclatante ma anche esilarante nel demenziale più puro e più divertente. Merito ovviamente della vena ironica e creativa del regista che col passare dei capitoli ha insistito sempre più sull’umorismo macabro e grottesco delle sventure che avvenivano al povero protagonista dei suoi film; ma anche, e forse soprattutto, di quel Bruce Campbell che ha sorretto sulle sue spalle tutto il peso dei tre capitoli senza mai perdere colpi e che ha aumentato sempre più il carattere cartoonesco e comico insito nel suo personaggio, regalandoci delle interpretazioni apprezzabilissime e volutamente esagerate.
accorgeranno della bontà del ragazzo e gli offriranno il modo di tornare nel suo tempo, a patto che vada a recuperare il terribile libro del Necronomicon, l’unico in grado di scacciare per sempre il maligno e di rendere possibile quel viaggio nel tempo da Ash tanto agognato. 
terminare la sua pellicola in maniera decisamente “cattiva” catapultando il protagonista nel futuro, invece che nel suo presente, cosa che avrebbe reso la pellicola ancora più mitica di quello che è, non si può dire che anche così il suo umorismo e il suo grande senso comico e ironico non abbiano fatto centro. 
Undicesimo episodio della serie, “Strada per la morte”, non brilla certo per originalità e pecca soprattutto per mancanza di ritmo e mordente. Sicuramente non tra i peggiori in assoluto della serie (come il “Chocolat” girato dallo stesso Mick Gerris, ideatore della stessa), ma altrettanto decisamente non tra i più apprezzabili. Si pone nel mezzo questo mediometraggio, dal titolo originale ben più suggestivo “Pick me up”, in cui l’unico interesse dello spettatore è vedere come va a finire la contesa e la disputa tra i due serial killer protagonisti che si contendono “la piazza”. Perché tutto si concentra appunto sulla figura dicotomica e decisamente caricaturizzata di queste due figure, due assassini impenitenti che si divertono e soddisfano il loro sadismo, solo ammazzando passanti a più non posso. Uno fa il camionista ed è già più in là con l’età, oltre ad essere una sorta di moralizzatore rompiscatole, l’altro è un autostoppista, giovane e di bella presenza, fissato con i serpenti e conciato come un cow-boy. Il primo è intepretato da Michael Moriarty, attore caro al regista, Larry Cohen, visto che l’aveva scelto come protagonista delle sue uniche due pellicole horror, “Q – il serpente alato” e “Stuff – il gelato che uccide”. Il secondo è interpretato da un’amimico e inespressivo Warren Cole, già protagonista di “Una canzone per Bobby Long”. 
Penultimo episodio della serie, “La terribile storia di Haeckel” sembra essere due film in uno, senza riuscire ad esserne, molto probabilmente, nessuno. Per carità le due parti, prese singolarmente riescono a soddisfare lo spettatore, ma è proprio la loro unione malriuscita che rende il tutto un po’ più ostico. 