REGIA: Kevin Smith
CAST: Bruce Willis, Tracy Morgan, Sean William Scott, Adam Brody, Kevin Pollack, Guillermo Diaz, Jason lee, Rashida Jones, Ana de la Reguera, Michelle Tratchenberg
ANNO: 2010
Jimmy e Paul, poliziotti in coppia da nove anni, vengono sospesi per un mese dopo aver fatto scappare uno spacciatore in un rocambolesco inseguimento. Privati di pistola e distintivo d’ordinanza, si muniscono di armi proprie quando a Jimmy viene rubata una figurina dal valore altissimo che doveva servire per pagare il costoso matrimonio sognato dalla figlia. Alla ricerca della figurina sottratta, i due verranno coinvolti in un losco giro di criminali spietati.
Non è proprio il film che ci aspetteremmo da Kevin Smith. Quel regista che ha sempre firmato pellicole indipendente e particolarissime, con scarsissimo budget, sempre irriverenti e molto politicamente scorrette. Quel regista che ha saputo conquistarsi una fetta di pubblico ben definita, grazie al suo linguaggio narrativo molto singolare, costituito da dialoghi al limite del surreale e del grottesco e da situazioni ancora più strampalate. Quel regista, insomma, che con poco, con molto poco, ma con tante idee e grandi intuizioni, ha saputo farsi un nome e una ben meritata reputazione positiva.
Con “Poliziotti fuori – Due sbirri a piede libero” (titolo originale molto più adeguato “Cop out”), pur trattandosi di una commedia godibile e spassosa, siamo su tutt’altro fronte. A partire dalla produzione, visto che alle spalle del regista stavolta abbiamo un colosso come la Warner, fino ad arrivare al genere vero e proprio. Siamo dalle parti del main-stream con questo buddy-movie tra polizitti, di cui uno di colore e l’altro no; uno sposato e l’altro separato con problemi in famiglia; uno più calibrato e attento, l’altro più combina guai e sbadato; uno più duro ed efficiente, l’altro più spericolato ed esilarante. Tutti, o quasi, i topoi del genere vengono richiamati dal regista e di rimando dagli sceneggiatori, Rob e Mark Cullen, facendo adagiare la pellicola insieme a tutte le altre dello stesso tipo senza che si distingua per qualche particolare guizzo estetico o narrativo. Al di là di questo lo zampino di Smith è ravvisabile in alcuni frangenti ed elementi che compongono questa strampalata storia di poliziotti fuori e criminali ancora più fuori. A cominciare dal cameo di Jason Lee, immancabile attore feticcio del regista, nonché grande protagonista della bellissima sit-com “My name is Earl”, fino ad arrivare al personaggio assurdo e allucinante interpretato da Sean William Scott, che irrita i suoi interlocutori ripetendo a pappagallo tutto ciò che dicono, passando per le battute e i dialoghi incentrati sul sesso, risalendo all’incipit imperdibile e divertentissimo in cui durante un interrogatorio i due sbirri si danno il cambio: Paul, l’omaccione di colore, solitamente il poliziotto buono, decide di fare la parte del cattivo. Interroga allora il sospettato cominciando a citare le battute di tutti i suoi film preferiti (rigorosamente andati in onda sulla tv via cavo, come fa notare un sempre più sbalordito Bruce Willis, che con autoironia si lancia egli stesso in una parodia dei personaggi che ha interpretato in pellicole in voga negli anni ’80 come i vari Die Hard), partendo da “Heat – la sfida”, passando per “Il Padrino”, “Training day”, “Die Hard” appunto e “Scarface”, arrivando addirittura a film impensabili come “Star Wars”, “Schindler’s List”, “Il colore viola”, “A spasso con Daisy” e “Dirty Dancing”.
Ci si diverte anche con la sequenza dell’inseguimento iniziale con Paul che ruba una bicicletta e vestito da telefonino gigante cerca di raggiungere lo spacciatore in maniera a dir poco goffa e ridicola. Per il resto ci si adagia sui soliti clichè del genere, pur avendo l’opportunità in più, targata sicuramente Smith, di assistere ad una vera e propria parodia, oltre che ad un omaggio (oppure homage come lo chiamano i protagonisti stessi sbagliando anche l’accento) di un certo tipo di cinema commerciale, soprattutto action, che ha formato la cultura popolare di un’intera generazione, come quella di Smith stesso, che di questo tipo di cultura (fumettistica, letteraria, cinematografica, musicale) ha sempre infarcito le sue precedenti, e molto più interessanti, pellicole. Non propriamente un buco nell’acqua, anzi, una tipica commedia da guardare spensieratamente senza troppe pretese, ma comunque una piccola delusione per i fan del regista abituati a ben altro.
VOTO: 
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Un film semplice, leggero e frizzante che si fa apprezzare nel suo essere contemporaneamente una simpatica commedia degli equivoci e una tipica pellicola indipendente dallo stile indie. Una commistione vincente che non lascia spazio alla noia o al disappunto, anche, e soprattutto, grazie all’apprezzabilissima interpretazione di un Andy Garcia in forma perfetta che si esibisce in un personaggio molto particolare e accattivante. Vince Rizzo, guardia carceraria, cova il sogno di recitare come faceva il suo idolo Marlon Brando (bellissime le scene in cui l’uomo si nasconde in bagno per leggere un libro dedicato al grande attore del passato) e così si iscrive ad un corso di recitazione tenuto da un insegnante molto particolare, interpretato dall’immancabile, quando si parla di questo genere di film, Alan Arkin (il nonnetto di “Little Miss Sunshine” e “Sunshine Cleaning” per intenderci). Il tutto, però, di nascosto dalla moglie e dai figli che non capirebbero il suo sogno e non lo appoggerebbero. Ma non è sicuramente l’unico in famiglia ad avere dei segreti. La particolarità dei Rizzo, infatti, è quella dell’incomunicabilità, della presenza di una serie di segreti che vengono tenuti nascosti con maestria e determinazione: Joyce, la moglie, continua a fumare di nascosto al marito e nasconde la sua insoddisfazione credendo che il marito la tradisca e si sia dato al poker, quando in realtà segue solo dei corsi di recitazione. Il figlio minore, Vince Jr, cova segretamente la passione per le donne obese; sua sorella Vivian, che tutti credono studentessa modello, persa la borsa di studio, si è data allo strip-tease per pagarsi l’università. Un bel quadretto, insomma, che dà vita ad una serie di incomprensioni e di momenti comici non indifferenti. Tutti questi piccoli-grandi segreti verranno man mano scoperti
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I film sulla vedovanza, si sa, portano con se numerosi rischi, primo su tutti quello dell’eccessivo pietismo e patetismo. Non accade nulla di tutto questo in “Ragazzi miei” in cui, oltre al tema del lutto, a farla da padrone in realtà è la difficoltà dei rapporti padre-figlio e della genitorialità maschile in senso lato. Trattasi sicuramente di un dramma, ma non è uno di quei drammi pesanti, pur non essendo nemmeno totalmente leggero, nonostante ci sia molta freschezza nel racconto delle scorribande di questo padre distrutto e di questi figli da recuperare. Un perfetto equilibrio, dunque, è ciò che si ravvisa nel racconto di questa storia ispirata a fatti veri e tratta dal romanzo autobiografico del giornalista inglese Simon Carr. E’ questo quello che ci viene narrato da Scott Hicks nel suo film, o forse sarebbe meglio dire che a raccontarci la difficoltà di quest’uomo nel rimettere insieme i pezzi della sua vita e nell’affrontare compiti che solitamente sono affidati alle donne, sono in realtà le straordinarie musiche dei Sigur Rós e i magnifici paesaggi australiani incorniciati da una splendida fotografia. Elementi che contribuiscono ad innalzare il livello della pellicola, tenuta sulle spalle da un inedito ma apprezzabilissimo Clive Owen e dal piccolo Nicholas McAnulty nel ruolo non facile di Artie, bambino che apparentemente rimane indifferente alla morte della madre, ma che si ritrova nel bel mezzo di una bufera, letteralmente ed emotivamente parlando. Il papà in carriera, infatti, dopo le iniziali difficoltà nell’organizzazione della casa e della vita propria e del figlio, decide che forse meno regole ci sono e meglio è. Della serie poche ma buone, insomma. E’ così che la loro vita e la loro casa si trasformano in un vero e proprio “paradiso dei porci”, così come lo chiamano loro, in cui è possibile farsi i gavettoni in casa, correre all’impazzata tra i corridoi, scongelare polli nella vasca, non buttare mai la spazzatura, ma dove sono vietate le parolacce e la maleducazione. Il più grande Harry, primo figlio di Joe, si ritroverà in un mondo sconosciuto, oltre che a contatto con un padre che sostanzialmente l’ha abbandonato per la sua nuova vita. Sarà questo conflitto, oltre a quelli già accumulati dall’uomo, a dare una svolta al suo stile di vita, ma soprattutto al suo modo di essere genitore. Sicuramente non mancano i luoghi comuni, incarnati soprattutto nella figura della nonna materna che si oppone alla condotta del genero o della ragazza che si interessa al giornalista sperando che nasca qualcosa e che quindi cerca di aiutarlo in casa e con il figlio (quest’ultimo luogo comune però viene ribaltato dal fatto che alla fine l’uomo decide di non avvalersi dell’aiuto della donna e di continuare fieramente a fare tutto da solo, dimostrando che anche per i padri è possibile essere dei genitori a tutto tondo, cosa che spesso viene dimenticata). Forse evitabili anche le apparizioni della moglie defunta che suggerisce di volta in volta al marito come prendere il figlio più piccolo e come comportarsi nelle situazioni più complesse. 
L’assunto non è affatto dei più originali, anzi è quanto di più usurato si possa trovare nella commedia sentimentale americana, mescolata ad un po’ di demenziale e sconcio, proprio in puro stile “American Pie”, come del resto suggerisce la locandina che ci ricorda potentemente quell’altro film. Una tradizione che può aver avuto degli alti e bassi ma che, sostanzialmente, raramente è riuscita a soddisfare pienamente. Un genere, dunque, che va preso alla leggera, così come esso prende se stesso, del resto. Munitisi di questo approccio iniziale si può anche godere di questo tipo di pellicole che non hanno nessuna pretesa e che il più delle volte riescono a strappare qualche risata e a passare come un soffio di vento. Tutte cose presenti in “Lei è troppo per me”, anche se effettivamente non sempre le risate arrivano al punto giusto (spesso la comicità è fuori tempo massimo, oppure fin troppo prevedibile) e non tutto passa così leggermente, con la presenza di molte lungaggini e pesantezze narrative, soprattutto per quanto riguarda la morale di fondo che è quella dell’importanza della propria interiorità per conquistare una persona del sesso opposto e per fare “carriera” nella vita, piuttosto che il mero aspetto fisico. Escludendo questi due elementi che pesano, e non poco, sull’economia complessiva della pellicola e gli impediscono di distinguersi in qualche maniera dagli altri film del genere, qualcosa per cui non rimpiangere la visione in “Lei è troppo per me” è presente. A partire dall’attore protagonista perfetto sia fisicamente che nell’interpretazione, per dare vita a questo insicuro nerd circondato da parenti e amici poco lusinghieri nei suoi confronti e per trasformarsi poi in un innamorato battagliero, seppur sempre ostacolato comicamente dalle situazioni e dagli inconvenienti. Di qui i rispettivi incontri familiari che hanno quasi del grottesco e che sfociano poi nell’esilarante in un caso e nel volutamente volgare nell’altro, così come le varie figure-emblema che ruotano accanto ai due protagonisti: l’amica di lei acida e sboccata, gli amici di lui con tutte le loro teorie sui rapporti di coppia a seconda della propria esperienza di vita, l’ex-fidanzata che lo rivuole solo dopo che una come Molly si è interessata a lui, l’ex- fidanzato pompato e spocchioso, la famiglia di lui strampalata e ingombrante, quella di lei compita ed elegante, ma tanto noiosa. Dicotomie che sottolineano maggiormente le differenze lampanti tra i due protagonisti che, nonostante tutti questi elementi a sfavore, riusciranno
Un film molto particolare, nonostante la canonicità della trama tra il noir, il thriller e il gangster-movie. La particolarità sta proprio nella natura e nelle caratteristiche del protagonista, ottimamente interpretato da Forest Whitaker, un uomo solitario che sembra non avere amici e che si muove silenzioso e “invisibile” nella notte per portare a termine i suoi contratti. La singolarità del personaggio sta nel fatto che, nonostante utilizzi armi da fuoco per le sue esecuzioni, le maneggia come se fossero delle spade da samurai di cui segue lo stile di vita, imparato leggendo un libro al riguardo. Durante le sue sortite notturne, ma anche di giorno, sdraiato accanto ai suoi piccioni, il killer si diletta con numerose letture, principalmente, appunto, l’Hagakure, il codice del samurai. Mentre osserviamo sempre più rapiti le sue azioni, e di rimando anche quelle dei suoi “amici” e “nemici”, sullo schermo appaiono le scritte del codice che rappresentano alla perfezione ciò che sta accadendo. Altra grande chicca della pellicola è la presenza di una serie di cartoni animati, in genere visionati dalla figlia del boss o dal boss stesso, che anticipano in qualche maniera ciò che accadrà al protagonista e agli altri comprimari. Da Betty Boop, passando per Felix il Gatto, arrivando persino a Grattachecca e Fichetto. Mescolando tutte queste caratteristiche inusuali e molto affascinanti si ottiene quel giusto mix di azione e di profondità, con una sorta di spessore che riguarda il protagonista visto non solo come un killer a pagamento, ma anche come un uomo coraggioso e temerario (porterà fino alla fine il suo obiettivo che è quello di servire il suo “padrone”, così come un buon samurai deve fare), oltre che amante della lettura (emblematica a questo riguardo la figura della bambina che il killer incontra in un parco e con la quale fa scambio di libri e di opinioni su essi, così come altrettanto importante è la presenza di un gelataio ambulante, un francese che sembra non capire ciò che dice il killer e che a sua volta il killer non comprende, pur essendo ognuno per l’altro l’amico più grande). Non manca di certo anche la violenza in questo ritratto intenso e coinvolgente del killer, fino ad arrivare ad una vera e propria escalation di omicidi per mano del protagonista del tutto deciso a salvare la sua vita, ma prima di tutto quella del suo “padrone”, fino a quando non si verrà ad una vera e propria resa dei conti finale in puro stile western. 
Al di là di questi motivi di apprezzamento, se vogliamo extrafilmici, “Non si sevizia un paperino” si dimostra una pellicola dal valore formale e qualitativo veramente altissimo, con un utilizzo straordinario della colonna sonora (sia diegeticamente che extra-diegeticamente), firmata Riz Ortolani, e con una serie di sequenze girate con una maestria non indifferente, a partire dalla scena iniziale in cui alcuni ragazzini mentre si confessano in Chiesa, scattando all’avvertimento di un loro amico che ha visto arrivare le prostitute, dimostrano che nonostante i tentativi di indottrinamento attuati dalla comunità circostante, la confessione non è affatto il loro pensiero primario; fino ad arrivare alla discussa e poi anche censurata scena in cui Florinda Bolkan subisce le violentissime percosse di alcuni abitanti del paese che la picchiano ripetutamente con catene, bastoni ferrati, calci e pugni. Una sequenza quasi interamente girata in soggettiva che unisce i due intenti principali del regista e cioè creare una pellicola dal forte impatto non solo visivo ma anche sensazionale ed emotivo e nel contempo comunicare, attraverso le potenti immagini, tutta la rozzezza insita nel modo di ragionare chiuso e ignorante degli abitanti di Accendura, che si fanno ovviamente emblema di tutta una fetta di società italiana di allora, che volendo persiste ancora ora. Rimane impressa ancora oggi, oltre che ripetuta in numerose altre pellicole, la scelta del regista di accompagnare l’estrema brutalità e ferocia di questa sequenza con dei brani musicali davvero inusuali accostati ad essa, come per esempio “Quei giorni insieme a te” cantato da Ornella Vanoni. Nemmeno i bambini si salvano in questo ritratto triste e amaro della nostra società (al di là delle vittime ovviamente), visto che quando la povera “maciara” ormai ridotta in fin di vita si arrampica sulle colline rocciose fino ad arrivare al ciglio della strada per chiedere aiuto, i passanti che si stanno recando al mare per le vacanze la ignorano completamente, compresa una bambina che la osserva senza batter ciglio. 
Grande merito del maestro Lucio Fulci, fu quello di riuscire a fare del cinema di genere in maniera del tutto soddisfacente e qualitativa, tanto da costituire poi fonte di ispirazione e di esempio per numerosi registi a venire che giustamente ne hanno intuito la grandezza e l’inventiva e ne hanno fatto un “mito” da seguire e in alcuni casi imitare. A partire da Tarantino, da sempre appassionato di cinema italiano degli anni ’70, ma non solo, Fulci è stato riconosciuto come genio indiscusso della settima arte, e in particolare del giallo e del thriller, grazie a numerosi capolavori che costituiscono dei veri e propri cult imperdibili per gli amanti del genere. Ne è un esempio eloquente questo straordinario “Non si sevizia un paperino”, che al di là del fatto di essere un film di genere con venature anche horror (per i riferimenti alla magia nera con la pratica voodoo degli spilli sulle bambole praticata dalla “maciara” del paese), si fa ancora più interessante e importante proprio perché facentesi carico di un bagaglio etico-sociale non indifferente. 
Un film essenzialmente demenziale questo “Gentlemen Broncos” che però non si può dire pecchi di originalità. Tramite le avventure raccontate dal ragazzo nel suo romanzo, ispirato e dedicato alla figura del padre scomparso, è possibile non solo farsi un bel po’ di risate con le stranezze e le assurdità delle varie trasposizioni visive delle avventure di Bronco (mentre il ragazzo rilegge le sue parole immagina che prendano vita, lo scrittore famoso che se ne impossessa le reinterpreta visivamente in maniera totalmente opposta, le trasposizioni cinematografiche che vengono create da altri due ragazzini esagitati oltrepassano il kitsch più assoluto), ma anche in qualche modo aver la possibilità di impelagarsi in considerazioni sul mondo della letteratura trasposta cinematograficamente, del talento degli “sconosciuti” e della mancanza ispirazione dei più noti. Una sorta di consiglio a prendere con più leggerezza e meno esigenza le pellicole che vengono tratte dai romanzi, piuttosto che pretendere che si attengano a come noi le speravamo e immaginavamo. Del resto all’interno dello stesso film, con soluzioni narrative alquanto inusuali e decisamente ridicole (le acconciature e gli abbigliamenti di Sam Rockwell, l’interprete dell’eroe Bronco, vanno dall’incredibile all’inguardabile) viene suggerito proprio il fatto che il contenuto di un romanzo può essere interpretato in differenti modi a seconda del lettore, del suo background, della sua stessa fantasia, prima ancora che di quella dello scrittore. Non viene tralasciato nulla, o quasi, al caso allora in questa parodizzazione del mondo del cinema e della letteratura con tanto di scrittore che rigetta le immagini cinematografiche nate dal suo romanzo (e il fatto che in realtà si tratti di immagini al limite del trash più assoluto serve non solo a far ridere lo spettatore, ma anche ad estremizzare il concetto), e con la presenza di riferimenti al business che spesso gira intorno a questo genere di produzioni. 
Un film da guardare con molta attenzione questo "Destino cieco" di Kieslowski, sua quarta pellicola del 1982, non solo perché in seguito è stato d’esempio e di ispirazione per il ben più noto, oltre che più scarso, "Sliding doors", ma perché riesce a condensare differenti tematiche riunendole sotto il segno del caso, appunto (quello che poi dà giustamente il titolo originale alla pellicola). Perché il giovane protagonista, a seconda della sua riuscita nella corsa verso un treno, si farà al centro di tre diverse biforcazioni che a loro volta non solo si rendono esplicative della potenza del caso nella vita di ogni essere umano, ma raccontano anche un pezzo di storia polacca non indifferente. Il ragazzo, infatti, studente di medicina, in seguito alla morte del padre e alla sua assenza durante il momento decisivo, decide di lasciare gli studi, prendendo appunto il fatidico treno per Varsavia. Qualcosa però va storto: Witek è in ritardo e nella corsa in stazione urta una vecchietta a cui cade una moneta. La moneta viene raccolta da un barbone che si compra una birra. Il ragazzo durante la sua corsa urta ancora contro il barbone facendogli cadere la birra, cosa che lo rallenta ulteriormente nel suo raggiungimento del treno. E’ questo il momento cruciale della pellicola, quello da cui poi si biforcano le tre storie che ci vengono raccontate.
il controllore che tenta di fermarlo e per questo viene arrestato, finendo a fare i lavori socialmente utili dove entra in contatto con l’opposizione al partito, divenendone poi parte attiva; nella seconda, Witek, dopo aver perso il treno incrocia una sua compagna di studi con la quale poi costruisce una famiglia, e torna a studiare, divenendo un medico che preferisce non prendere posizioni politiche, restando fuori sia dal partito comunista che dall’opposizione.
salvezza, se a determinare tutte le nostre scelte, i nostri percorsi, sono solo degli avvenimenti casuali nei quali ci imbattiamo senza il nostro volere.
Siamo arrivati ormai al sesto capitolo di questa saga che se all’inizio aveva ancora qualcosa da dire e da mostrare, adesso ormai si è ridotta ad essere un interminabile circo del gore, senza nessuna idea buona di fondo, e soprattutto senza un’impalcatura solida che si regga su elementi di base apprezzabili. Al di là delle mattanze e dei vari marchingegni, sempre più machiavellici, per punire i vari personaggi finiti sotto le grinfie di Jigsaw e dei suoi eredi, elementi che possono soddisfare i fanatici e “malati” del genere, in “Saw VI” non c’è niente che valga la pena di essere visto. Anzi, tutto ciò che si sussegue sullo schermo ha la forza di irritare potentemente lo spettatore costretto a sorbirsi una serie di flashback sfiancanti e stancanti, che rimandano quasi alla tradizione da soap-opera di far rivivere gli stessi momenti in continuazione con ricordi inutili e non solo. Tralasciando la piattezza della regia e l’insufficienza recitativa della maggior parte del cast, quello che più disturba, in maniera negativa e non positivamente per quanto riguarda le scene più horror e sanguinolente, è il volerci ficcare a tutti i costi la figura dell’enigmista, ormai morto, con una serie di rimandi improbabili e fastidiosi al passato e soprattutto con delle involontariamente ridicole apparizioni alla moglie affranta. Senza considerare il fatto che ormai la sete punitiva dell’enigmista si fa sempre più retorica e scontata, andando a colpire stavolta, niente poco di meno che degli assicuratori un po’ “bastardi”. I prossimi, magari, saranno dei banchieri corrotti o qualsiasi altro “cattivo” da fumetto che possa venirvi in mente. Ad aggiungersi a tutto ciò, altro elemento che ci rimanda allo stile da soap-opera che ormai la saga sta intraprendendo, è il ritorno di personaggi che si credevano morti per creare dei colpi di scena che invece di sortire l’effetto voluto, cioè sorprendere lo spettatore, hanno come unico risultato quello di irritarlo maggiormente per la facilità con cui si cerca di prenderlo in giro con questi espedienti narrativi, cercando poi di accontentarlo con il susseguirsi senza sosta di scene ad alto impatto gore. Prima su tutte la sequenza iniziale, con un’improbabile e grottesca citazione shakespeariana, in cui due personaggi, un uomo e una donna, rinchiusi in due gabbie, sono costretti a tagliarsi parti del proprio corpo e a pesarle, in modo tale che chi raggiunge il peso maggiore potrà salvarsi. Il ragazzo un po’ cicciottello si taglia pezzi di pancia, la ragazza opta per un braccio. Scene difficili da sopportare per i deboli di stomaco, ma apprezzabili per chi non si aspetta altro da questo genere di pellicole. Proseguendo possiamo trastullarci con altri trucidamenti del genere che vanno a colpire i vari impiegati dell’azienda assicuratrice e altre povere vittime che servono a completare il percorso “formativo” che Jigsaw ed eredi hanno imbastito per il presidente dell’azienda in modo tale che apprenda l’insegnamento e soprattutto il valore della vita, quello che lui ha disonorato nel suo lavoro e nel suo stile di vita. Insomma, quasi quasi ci viene da parteggiare per questo malefico e moralistico assassino pervertito che imbastisce queste trappole micidiali solo per far capire agli altri i loro errori e fargli intraprendere un percorso di redenzione. Mentre di contro, siamo quasi portati a tifare per le morti di queste “cattive” vittime che mentono, sfruttano e, indirettamente con le loro scelte, uccidono. Poteva essere un elemento di apprezzamento, e all’inizio lo era, questo confondere il senso di giustizia tra vittime e carnefici, ma col tempo il tutto è diventato fin troppo stereotipato e manicheistico. E, per quelli che quando comincia una saga orroristica non riescono a smettere di seguirla nonostante la sempre più scadente qualità degli episodi, la “prigionia” non è affatto finita come dimostra il solito finale aperto che ci lascia col desiderio di parafrasare al contrario il motto di Jigsaw: “che il gioco abbia fine…”. 
